AI 宮崎駿生圖的那天，「原創」正式宣告死亡。

原創已死，但這是一件好事。

宮崎駿 AI 生圖事件，竟然起於一位地方人夫的求生欲。

最早這個風潮是從美國工程師 Grant Slatton 的貼文開始，他使用新出的 GPT-4o 生圖功能，把自己跟太太的合照轉換成吉卜力風格在 X 上分享。

這篇貼文獲得 5900 次轉傳，五千多萬次觸及，掀起了一場全球規模的吉卜力 AI 熱潮，連 Sam Altman 都把自己的照片換成宮崎駿風格。

宮崎駿現象，可能是近期最大規模的一個迷因現象，也讓不少人在討論：「使用 AI 生成宮崎駿圖片是一種抄襲嗎？」

或者，更往上一個層級，我們可以問：

「用 AI 來模仿其他創作者的風格，是一種抄襲嗎？這是否會對創作者造成傷害？」

在之前我辦《AI 電馭寫作》線下工作坊的時候也有聽眾提出這樣的問題，我覺得當時也沒有回答好，我想藉著這個現象，一起來分析討論。

這篇文，我會聊：

• 使用 AI 生成圖片是否算抄襲——風格是否可以被擁有？

• 全球規模的迷因現象：當一個人的作品成為迷因，那是什麼意思？

• 在充滿迷因的世界裡，怎樣才算是「原創」？

• 原創已死，但這是一件好事

• 「好的藝術家模仿，偉大的藝術家偷竊」這句話究竟是什麼意思？

開始吧。

▋ 使用 AI 生成圖片是否算抄襲——風格是否可以被擁有？

宮崎駿生圖的現象，如果往下討論是否抄襲的話，本質上要問的問題有兩題：

1. 「AI 公司使用創作者作品訓練模型，是否侵犯著作權？」

2. 「風格是否可以被創作者擁有？風格是創作者的財產，還是一種集體文化的產物？」

第一題是有爭議的。󠀠

我們可以分三層來看：

a. 個人畫家研究《神隱少女》，訓練自己的大腦，畫出類似風格作品（故事完全不同）

b. 繪畫工作室研究《神隱少女》，訓練自己的團隊大腦，畫出類似風格作品（故事完全不同）

c. AI 公司用使用《神隱少女》作為材料訓練模型，畫出類似風格作品（故事完全不同）

a 跟 b 都還不構成侵犯著作權，因為風格不被保護，作品才被保護。

但 c 的辯論點則在於「人類學習 vs. 機器學習」兩者在規模有巨大差異，機器學習是否應該合法？或者應該在哪些情況下合法？這些是都還在討論中沒有定見的辯論點，也反映出了技術樂觀主義／傳統價值主義兩派價值觀。

這一題還可以延伸到「商標法」的問題。

這次現象只是迷因瘋傳，大多數使用的人也不會再圖片上註明「這是吉卜力風格」，

但 OpenAI 自己在社群上也推了吉卜力這件事，Sam Altman 也換了頭貼，可能讓人誤會他們是否跟吉卜力有合作，這確實有商標法疑慮。

另一個可能有商標法疑慮的，是在 Solana 鏈上發行的 GHIBLI 迷因幣，這個又更直接使用了吉卜力的名字。

針對以上兩個，目前吉卜力都沒有提出告訴就是了。

但第二題「風格是否可以被創作者擁有？」這題就還算簡單：從智財權的角度來看，風格並不屬於創作者，而是被認定為集體文化的產物。

著作權保護的是「實際作品」，你只能主張《神隱少女》是宮崎駿的作品要受到保護，但吉卜力風格不行。即便是日本的版權法，也不保護風格和想法本身。

也就是說，各種創作者打造出來的風格：迪士尼、村上春樹筆風、普普風、Wes Anderson 電影風格、Apple 極簡設計、賽博龐克、清水模、北歐風...種種風格，一旦成為文化語言，就會變成一種文化語言工具。

既然是工具就可以被使用，被大量使用下，人們就會忘記這個工具的始祖是誰。

人們會知道電話是誰發明的，但是不會在每次使用電話時都紀念著發明人。

你聽過《卡農》的和絃走法，但沒人會在編曲時紀念帕赫貝爾。

你知道 Emoji 最初由日本人栗田穰崇設計嗎？你現在知道了。沒人會在發 😂 時說：「這都要感謝栗田先生。」

一種風格若成為了經典，注定脫離個人、變成可供任意使用的資源，變成社會集體擁有，用來說故事的工具。

這個說故事工具，最主流的一個概念，就是「迷因」。

▋ 全球規模的迷因現象：當一個人的作品成為迷因，那是什麼意思？

「迷因」（meme）這個詞是由 Richard Dawkins 在《自私的基因》中提出，是指一個可以被模仿、傳播、二創、惡搞的「文化概念」。

任何東西都可以是迷因。圖片是迷因，影片也可以是迷因，例如早年的美江、Ain't no body got time for that。

一句話也可以是迷因，例如很久以前的「反正大薯我就是加爆」、「店裡充滿了快活的空氣」、「父親的背影」、「這就是雅量」、「2B or not 2B」等....都是。

（對，案例很老我知道，我八年級生。）

重點在於：迷因是靠模仿（imitation）傳遞的。

迷因現象絕對不是網路時代才有的，歷史上也有大量有名的迷因符碼。

例如，聖經故事是西方繪畫界最熱門的迷因，如果從公元三世紀開始算，經過文藝復興、巴洛克時期一直到今天，已經整整流傳了一千七百年。

尤其文藝復興時期的畫家很愛畫聖經故事，常常出現不同畫家會畫同一個聖經故事，畫出各自自己的風格。而光是「最後的晚餐」就被畫了數百次（這還只算有記載的）。

例如這張 Giuseppe Vermiglio 畫的《Giaele e Sisara》，就是在畫聖經《士師記》女英雄「雅億」暗殺敵軍將領「西薩拉」的故事，拍攝於米蘭 Ambosiana 美術館。

我對老婆說錯話的時候也是這個場景

除了故事以外，「作品」本身當然也可能變成迷因。例如在現代你看過《貓咪版蒙娜麗莎》、《胖版蒙娜麗莎》，都被玩過 N 次了，吶喊也被玩過 N 次，但基本上沒人在乎達文西跟孟克的感受。

李小龍的連身運動服、「Never Gonna Give You Up」、星際大戰的「I'm your father」、米老鼠的耳朵、超人服裝、迪士尼的城堡（根本沒有多少城堡長那樣）...這些也都是作品成為迷因，被二創惡搞了 N 次，

但好像也沒啥聽過有人討論 Rick Astley、喬治盧卡斯、迪士尼本人、Joe Shuster（超人漫畫家）是否會在意被抄襲。

其實我蠻納悶的，為何宮崎駿現象就會被拿出來討論是否抄襲。我猜原因是台灣人跟宮崎駿的感情比較近，且宮崎駿本人還活得好好的。

另一個原因是，宮崎駿被迷因化的現象來得太快又太大了（去得也快）。因為生成式 AI，迷因技術門檻忽然變得超級低——以前要畫《最後的晚餐》要數十年的心血；2010 年代要 remix 美江你要會基本的電腦編曲；現在玩宮崎駿圖片只要打開 ChatGPT 講一句話搞定。

但無論如何，AI 宮崎駿生成圖片，本質上跟聖經故事被文藝復興的畫家大量使用沒有差別，只是傳播速度從一千七百年，變成一天內發生而已。

而當一個作品變成了迷因，這對作品來說是一種榮耀，也是一種死亡。

是榮耀，代表你正式進入人類的集體意識裡面，就像是每個世代都一定聽過李小龍一樣。其實龍貓、神隱少女（「再吃下去會被殺掉的」）、紅豬等符號早已經是迷因了，但是這次的意義更後設一點：整個風格都是迷因了，人人都有畫出吉卜力工作室的能力。

是死亡，因為一旦作品變成迷因，就注定要在大量的複製、二創、惡搞中失去原有的意義。例如作品就會出現各種糟糕的畫面。

而宮崎駿本人對動畫的執著，厭惡 AI 生成動畫中缺乏人性、缺乏對痛苦的理解這些價值觀，「我的初衷，是傳遞每個人在世界上的生存價值，從沒改變過」這句話，就在超過數千萬次的大量轉傳中消失了。

我們見證到的就是一個紮實的「作者之死」——作品一旦誕生，作品就不再屬於作者。

只是過去這件事發生的速度太慢了，或者離我們太遠了（你惡搞星際大戰時，有想過喬治盧卡斯的感受嗎？我沒有。）

但現在這件事活生生發生在我們面前，被惡搞的原作者又是陪我們從小長大的宮崎駿先生，確實在情感上有些人會過不去。

但這是歷史上不斷發生的現實：創作者，永遠無法控制自己的作品會怎樣被記住、被使用。

作品會被法律保護兩百年（也不見得有效），風格則從一開始就不被保護，只要你推出來，就是社會集體的共有財產。

但這是否代表，我們都不要創作了？

肯定不是的。

▋ 在充滿迷因的世界裡，怎樣才算是「原創」？

在喜劇圈裡面，最怕遇到的情況就是「抄笑話」。

大多數時候，演員都不是故意的，但就一定會有這樣的現象發生：我在哪裡看過黃豪平的段子覺得太好笑了。過三個月後我完全忘記這件事，寫笑話時，潛意識把這個段子的概念拿出來，我還以為是我自己的原創。

結果真的拿出來講的時候，被說：「齁，你抄黃豪平。」

寫笑話是最追求「新意」的創作方式了，喜劇演員永遠在追求新的切角、新的觀點、新的故事、新笑話、新人設、新觀眾....因此抄笑話是喜劇圈的大忌。喜劇演員真的很怕不小心踩到這個雷，我們在群組裡，演員也很常會問「（某個笑話概念）有人講過嗎？」（通常是微笑丹尼在問）

這樣做，你大概可以避免自己在「同圈子裡」有抄襲嫌疑。可是你不可能在全世界的規模：英語世界約有上萬名全職喜劇演員，數十萬業餘喜劇演員，光台灣就有上百萬的 Ptt 網友在想梗。

我也曾經寫過一個英文笑話，後來發現竟然跟 Netflix 上的喜劇演員 Gad Elmaleh 撞梗（我心裡很爽就是了），即便我知道是三年前我就先寫出來的段子，難道我可以宣稱我是原創的，Netflix 大咖演員是抄我的嗎？好像也很難。

集體創作的威力是很可怕的。你不可能在整個世界文明的程度上，避免抄襲的嫌疑。

人類文明從開始畫壁畫起算已經經過了三萬年，原創基本上已經被開採殆盡了，任何你想要寫的原創作品，在網路世界的某處，都有人跟你講過一模一樣的東西。

現實是：原創已死。

而網路上出現大量宮崎駿生圖的那一天，原創的最後一道護城河「技術」，也在手術台上宣告死亡。

▋ 原創已死，但這是一件好事。

當我意識到，我這輩子不可能寫出任何「原創」的笑話，我陷入了一陣創作低潮。

低潮到，我在台上講不出笑話了，我直接跟觀眾抱怨：世界上所有笑話都被寫過了，我寫的所有笑話，別的演員都寫過。

這時候，有個觀眾悠悠地說：「但是我們沒聽過啊。」

那個當下，是改變我對創作態度的關鍵時刻。

因為我發現，創作的價值不是來自於你做出什麼超獨特超標新立異，就你最特別的東西。

創作的價值，在於你是否讓受眾覺得被理解，被共感，被你啟發了。在於你是否讓他們覺得「有趣」，你的作品是否真正服務到你的受眾。

這根本不需要原創。

相反的，原創的作品，對大多數人來說都很無聊。

康德的《純粹理性批判》很原創，我根本撐不過前言。

卡夫卡的《城堡》超原創的，我拿來當睡前催眠讀物。

《唐吉軻德》西文版——超級原創，我查了第一個單字就放棄。

有趣的作品，通常都不原創。

理解到這點，其實是非常解放的經驗。

因為忽然間，過去我原本要擔心受怕，寫這個會不會跟誰太像？寫 ubike 的笑話，會不會跟微笑丹尼撞梗？寫護家盟的笑話，會不會被人說我抄黃逸豪？

但是當你選擇不追求原創，忽然間你就解封印了：全世界所有的作品都是你的材料，你像是饒舌製作人一樣，開始玩採樣的藝術。

於是創作過程，不再是征服巨大蟒蛇那樣可怕的英雄任務，變得更像是在玩積木樂高的重組過程，而且是更好玩的那種——把別人的樂高給拆了（在你的大腦裡），然後重組出屬於自己的。

於是我開始狂寫諧音梗、抄網路上的小明笑話（當然，只有在特定場合使用，例如冷笑話大賽）、收集各種街頭看板廣告素材（然後我寫出了「法式奶頭」的笑話。這是真的存在的東西，對，法式奶頭）

然後你會發現，這個採樣重組的過程，本身就是一種創造。

而且是一種以「偷竊」為基底的創造過程，致敬那句經典名言：

「好的藝術家模仿，偉大的藝術家偷竊」。

▋ 「好的藝術家模仿，偉大的藝術家偷竊」這句話究竟是什麼意思？

很多人會說這句話是 Steve Jobs 說的，其實他只是讓這句話變有名，他是引用自畢卡索。

實際上是畢卡索講的嗎？抱歉，畢卡索也可能是引用自 TS. Elliot——

「Immature poets imitate; mature poets steal.」
「稚嫩的詩人模仿；成熟的詩人偷竊。」

（什麼叫做諷刺？一句討論抄襲的話被抄了三次。）

這句話的問題是，每個人引用的時候，每個人對「模仿」跟「偷竊」的定義都不一樣。

我想講講我的定義版本：「抄襲、模仿、偷竊」，這三者到底有什麼不一樣？

「抄襲」是惡意使用他人內容，整篇複製貼上，根本零自己的創作成分。這是最 low 的做法，創作者也會直接被內容市場淘汰掉，因為創作是無限賽局，你不可能抄一輩子。抄襲只會出現在短期賽局，例如政治人物的論文。對創作者來說，對付抄襲者的最好方法，就是讓自己變強，讓對方自己被熬死。

「模仿」是觀察對方的「形」，例如村上春樹講很多碎嘴，你就跟著講一樣多的碎嘴；你看到有人去宮廟前面跳舞拍短影音，你就去宮廟前面拍跳舞短影音。這是風格上的直接轉用。

「偷竊」則是觀察對方的「意」。你用村上的疏離感與斷裂感，寫出你在台北捷運上無法融入社會的真實經驗，通篇文章都使用的村上春樹的風格，但通篇文章都滿滿的是你，不著任何村上春樹的痕跡。

所以，為什麼好的藝術家模仿，偉大的藝術家偷竊？

模仿是學習創作的入門，你得先臨摹其他創作者的「形」，才能感受到裡面的「意」；

偷竊則是當你熟練這個「意」之後，你可以放下原本創作者的「形」，你就可以重新發明屬於你自己的外在，於是做到「不被發現的借用」。

莊子說「得魚而忘筌，得意而忘形」，張無忌學太極拳要全數忘掉拳法，就是這個意思。

模仿讓你學會說話，偷竊則讓你重新發明語言。

原創的時代已經結束了，但這不代表創作失去了意義

相反的，我認為這對創作者是解脫的。

你會放下「我是不是不小心抄了別人」的焦慮

你會放下「被抄襲的憤怒」，因為你知道你早就在玩不同境界的賽局

你會發現，這世界上所有的東西，都是你可以拿來模仿、重新組合、感知其中的「意」，最後忘其「形」的材料。

於是你獲得創作的自由。

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大概這樣，我的想法是比較激進一點的，我認為在 AI 普及之後，智慧財產權的定義會有很大的變化，畢竟這個法條的概念是在 1967 年確定的，當時連網路都還沒出現。

而未來我們也勢必重新定義「什麼叫做不好的抄襲」這件事，或者說，人們可能會變成像是我現在的感受：對於被抄襲開始慢慢不在乎，因為對創作者根本構成不了傷害，我只要持續讓自己變強就好。

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